Autore: quadreriablarasin

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Vedova Emilio

Nasce a Venezia nel 1919 da una famiglia di artigiani-operai, inizia a lavorare da autodidatta fin dagli anni trenta. Nel 1942 aderisce al movimento antinovecentista Corrente. Antifascista, partecipa tra il 1944 e il 1945 alla Resistenza e nel 1946, a Milano, è tra i firmatari del manifesto “Oltre Guernica”.

Nello stesso anno è tra i fondatori della Nuova Secessione Italiana poi Fronte Nuovo delle Arti.

Comincia ad esporre in mostre personali e collettive sin dagli anni quaranta, ottenendo presto fama internazionale; è del 1951 la mostra a lui dedicata alla Catherine Viviano Gallery di New York.

A partire da quella del 1948, partecipa a svariate edizioni della Biennale di Venezia, manifestazione dove nel 1952 gli viene dedicata una sala personale, nel 1960 riceve il Gran Premio per la pittura e nel 1997 il Leone d’Oro alla carriera.

Nel 1954, alla II Biennale di San Paolo, vince il premio che gli permetterà di trascorrere tre mesi in Brasile, e nel 1956 riceve il Solomon R. Guggenheim Foundation Award for Italy.

Nel 1955 è invitato a Kassel per “documenta 1”, partecipa a “II. documenta”, nel 1964 per “documenta III” presenta l’Absurdes Berliner Tagebuch ’64 e torna ancora a Kassel nel 1982 per “documenta 7”.

Per tutta la vita si dedica con passione alla attività didattica tenendo lezioni in diverse università americane e corsi alla Internationale Sommerakademie für Bildende Kunst di Salisburgo e alla Accademia di Belle Arti di Venezia.

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Cordoglio per la scomparsa di Edmondo Giuliani

dal Comune di Jesi
www.comune.jesi.an.it

“Edmondo Giuliani – ha ricordato Belcecchi – può essere a pieno titolo considerato l’ultimo pittore di strada, nel senso più nobile della parola. Un’artista che non si chiudeva dentro un atelier, ma che cercava il luogo aperto e dunque aveva un rapporto diretto con i cittadini che potevano vedere in diretta quello che lui dipingeva. Un modo antico e nostalgico di fare pittura, arricchito da quella profonda umanità che ha caratterizzato sempre la sua esistenza.

E la sua popolarità è dimostrata dal fatto che non c’è casa a Jesi in cui non sia presente un’opera di Giuliani”.
A Edmondo Giuliani, come noto, il Consiglio comunale aveva conferito nel 2000 la cittadinanza benemerita “per la grande passione con cui si è dedicato all’attività artistica, svolta con disinteresse e spontaneità, ottenendo importanti riconoscimenti a livello regionale e nazionale, che onorano il nome della sua città natale alla quale lo lega un profondo e reciproco legame di affetto”.

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Enzo Esposito è nato a Benevento nel 1946, vive e lavora a Milano da più di vent’anni.

Nome di punta nel panorama artistico degli anni ’80, Esposito ha partecipato a tutte le rassegne di quel periodo che puntualizzavano il passaggio dal “concettuale” alla “pittura”.

Infatti, dopo una fase di maturazione in un clima di arte concettuale e di rigore formale, è uno tra i primi artisti a intuire, alla fine degli anni ’70, il ritorno alla pittura attraverso gli “ambienti”.

Al 1977 risalgono le prime installazioni, pitture eseguite direttamente sulle pareti delle gallerie, dove l’imponenza del colore crea forti coinvolgimenti emozionali.

In quegli anni il suo lavoro viene notato da Renato Barilli che inserisce Esposito nel gruppo dei “Nuovi Nuovi”, nel versante “aniconici”, coi quali negli anni ’80 parteciperà a numerose esposizioni collettive nei più importanti musei internazionali. Il periodo successivo è segnato da un espressionismo astratto fatto di accese luminosità e campiture sempre più ampie e dilaganti. Le dimensioni quasi sempre monumentali delle sue opere servono all’artista per sottolineare il valore oggettivo della pittura come esperienza impegnativa e totalizzante, tanto per chi la crea quanto per chi la osserva. “E’ un lavoro il mio non narrativo, un dialogo con la superficie, un accadimento di pittura. Non ci sono icone. Non ci sono titoli. Dare un titolo è dare un margine e io non voglio margini.”

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Ricerca biografica e bibliografica

a cura di Roberto e Stefano Carraretto.

Lino Carraretto nasce nel 1947 a Casale Sul Sile (TV), città dove vive e lavora.

Artista autodidatta, dipinge per vocazione, seguendo un’intima necessità di espressione emotiva, grafia del profondo dei sensi. Arriva tardi alla pittura, quasi per caso, quando sente la necessità di riempire le spoglie pareti della sua nuova casa, nei primi anni 70. Da studente aveva sempre avuto una naturale dimestichezza col disegno e l’acquerello; per l’occasione torna a dipingere, stavolta all’olio.

Dapprima copiando tutto quanto accendesse il suo interesse: grandi maestri, cartoline, illustrazioni, poi, appropriatosi della tecnica pittorica, esce a dipingere en plen air per partecipare a concorsi estemporanei. I risultati furono subito incoraggianti: pieni consensi dal pubblico e dalla critica più accorta. Inizia a credere al suo lavoro e con impegno organizza la prima personale al Teatro Accademico di Castelfranco Veneto nel 1982. Risalgono allo stesso periodo le prime partecipazioni a rassegne d’arte e le vincite dei primi premi. Successivamente, con pacate meditazioni, i paesaggi inizia a “confezionarli” nello studio, abbinando con fantasia soggetti reali a quelli sognati, per ottenere una preziosa visione lievitata, evocata. Questa intuizione rappresenta per il maestro una svolta decisiva per la sua arte, che si carica così di straordinaria leggerezza.

Tutta la sua pittura verte ad attirare l’attenzione sul nostro paesaggio, così bello e così labile nel tempo, un paesaggio che non abbiamo il tempo di assaporare perche frastornati dal ritmo frenetico della vita odierna. Attraverso la memoria recupera tutto ciò che parla di poesia e che sta pian piano scomparendo: vecchie ville abbandonate, casolari, barconi. La sua immersione nella natura è totale: con atto di fede o, se si preferisce, di coraggio, Carraretto è alla ricerca di un valore non effimero de’’immagine dipinta. Con animo attento è sempre pronto a raccogliere gli umori della realtà in un rapporto diretto della vita e della verità.

Carraretto è ben lontano dalla pittura fatta di gesti o da invenzioni spettacolari per stupire ad ogni costo; la sua pittura è il risultato di una pratica ad imprimere dolcezza, sensazione del tempo, bellezza del creato, fatta con l’animo sincero, che punta direttamente al cuore. Nel 1993 l’incontro con il mercante Francesco Pasini risulta decisivo per la sua carriera artistica.

Con grande soddisfazione, l’artista vede le sue “poesie” diffondersi in tutta Europa. E dal 2004 in tutto il mondo, giacche la International Graphics Collection tedesca lo ha inserito nel catalogo delle affiches d’autore, una pubblicazione a distribuzione universale, un’importante vetrina per i maggiori talenti esistenti.

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Giuseppe Gentili (Pollenza, 1942 – Camerino, 16 aprile 2018) è stato uno scultore italiano.

Biografia

Frequenta gli studi artistici e consegue il Diploma di Maestro d’Arte nel 1963.

A venticinque anni espone le sue prime opere in scultura, con consenso di pubblico e di critica. Innovativo per la tecnica e per il materiale che adopera, realizza pannelli in basso rilievo, sbalzi in rame, bronzetti e numerose opere di grande dimensione: lavora con la fiamma ossidrica, mista alla fusione.

Di lui si interessano per il collezionismo: Charlie Chaplin, che acquista tre opere; Federico Fellini, il regista delle favole folli; Pablo Picasso, che accetta l’offerta di un “Don Chisciotte”, figura emblematica nella produzione dello scultore. L’artista iberico pone l’opera, alta più di due metri, nel parco della sua villa di Mongius (Nice).

Espone a Montréal (Canada), impressionando per la drammaticità esistenziale delle opere, e a Nizza, città dove, in occasione del terzo “Grand Prix de New York”, gli viene assegnata la targa “Plaquette d’or – Statue de la Libertè”.

Nel 1979, l’artista si trasferisce a Spoleto, instaurando con il Festival dei Due Mondi un proficuo lavoro dialettico, che si traduce in mostre e in celebrazioni della sua arte (Spoleto Magazine).

Eccentrico ed anticonvenzionale, gestisce il mondo creativo con atteggiamenti di vita, che plasma come pezzi visivi: contesta e irride “il rispetto dell’arte ufficiale – che egli dice – in Italia combina grossi guai”. Nascono così le tante sculture alla fiamma ossidrica, che diffonde in Italia e all’estero, entrando nelle case e nelle collezioni di molti privati.

Racconta di sé stesso: “Non voglio essere chiamato contestatore, non m’interessa accordarmi ad una qualsiasi protesta. Io vivo per la mia arte e della mia arte. E chi non sa cosa sia l’Arte non può capirmi”.

Seguono opere di impegno umano e valenza sociale: dalla ricerca indirizzata verso episodi della Bibbia (particolarmente drammatica la serie di Caino e Abele) al volto di Cristo della Sindone, carico di tragedia; dal Don Chisciotte al grido de L’uomo di Sarajevo.

Dopo avere migrato in più luoghi, risiedeva in campagna presso Camerino.

È scomparso il 16 aprile 2018 all’età di 76 anni.

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BIOGRAFIA

Giovane artista romana, Valeria Ferrari, si forma come restauratrice di dipinti presso l’Accademia delle Arti e Nuove Tecnologie di Roma, dove si appassiona alle diverse tecniche pittoriche e allo studio del colore, approdando infine ad un linguaggio personale ed eclettico.

Da cinque anni collabora con la Galleria Il Sole partecipando a diverse collettive nonché con la stessa, alla Fiera Affordable Art Fair di Milano.

Appassionata di arte, musica e poesia, inserisce nei suoi dipinti citazioni tratte dal mondo musicale e letterario per dare vita ad un racconto in cui suggestioni naif vengono rielaborate attraverso l’utilizzo del collage e della pittura acrilica. Protagonisti delle opere sono le città ideali avvolte da atmosfere oniriche che popolano la serie Happy City, i giardini incantati rallegrati dallo sbatter d’ali di variopinte farfalle nei Flights, i cuori di ogni forma e colore che fluttuano sulla tela come palloncini lasciati volare via in un momento di festa, musica e fantasia, al centro della serie Loving.

In Lightness le opere di piccolo formato rappresentano fotogrammi dell’infanzia che si alternano ad oggetti iconici del vivere quotidiano, con uno spirito che richiama la cultura pop e l’immaginario visivo degli ultimi decenni.

Si sogna così, nello sperimentare di Valeria Ferrari, respirando un’arte che diventa fantasioso gioco di rimandi.

Fabio Ortolani

“Non mi prendo mai troppo sul serio…

mi piace giocare e sperimentare,

i colori sono note che mischio sul pentagramma per trovare armonia e dissonanza;

tra silenzio e rumore, cerco la mia isola felice,

sempre in bilico, divertendomi.”

(Valeria Ferrari)

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BIBLIOGRAFIA

Nato a Civitanova Marche (Macerata) nel 1956. Si è diplomato presso l’Accademia di Belle Arti di Mace­rata. Si esprime nel campo dell’informale, allievo di Remo Brindisi. Ha allestito mostre personali a Mace­rata, Sarnano, Camerino, Ussita, Tolentino, Milano, ecc. Ha partecipato a varie collettive e concorsi ad Ancona, Bergamo, Broscia , Trento, Bologna, La Spezia, Macerata, ecc., ottenendo premi e ricono­scimenti. Nel settembre 1982 ha partecipato ad As­sisi alla realizzazione di un grande murale dedicato alla «Pace nel Mondo» (su progetto di Remo Brindi­si). Hanno scritto di lui i critici: Bianchini, Brindisi, Della Cerra, Pranza e Bignardi.

L’Amministrazione Comunale di Ripe S. Ginesio, la Direziono della Pinacoteca Comunale ringraziano sentitamente l’Artista e quanti hanno collaborato alla realizzazione dell’iniziativa.

Daniele Cristallini

Scorrendo alcuni scritti volti ad illustrare la mia pittura, ho avuto la sensazione che oltre ai molti rife­rimenti usati per misurarne la qualità tecnica e cultu­rale, non fosse stato speso a suo favore neanche un pensiero veramente sentito.

Reputo quindi necessario che io, unico artefice della mia arte, intervenga per salvare dalla quotidia­na mediocrità il prodotto della mia vita, costruita su sensazioni che da sempre hanno guidato le mie scel­te, rendendole a volte incomprensibili ai più, a volte erroneamente intelleggibili.

I colori del tempo e della storia hanno acceso la mia fantasia; quegli stessi colori di cui la mia opera è impregnata in ogni sua piega, a volte stimolati fino a scomparire nel buio per potervi ricercare nuova luce.

Non c’è quiete in ciò che faccio, forse rassegna­zione di fronte all’inevitabilità delle cose e del tem­po; ma sicuramente c’è amore verso tutto ciò che esso a volte sfiora solamente trasformandolo quindi in una tenera nebbia.

Io credo che in fondo questo sia il mio vero mo­do di essere artista: un rigattiere di essenze.

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È nato a Torre del Greco. Ha frequentato l’Istituto Statale d’Arte di Torre del Greco e per qualche anno il corso di scenografia del prof. Stefanucci presso l’Accademia di Belle Arti di Napoli. Da giovanissimo si muove nell’ambito dell’Anacronismo per poi approdare, nel corso degli anni, ad una personale dimensione pittorica che lo vede indagare un mondo dagli aspetti misteriosi ed enigmatici. Numerose sono le esposizioni, tra personali e mostre di gruppo. Nel 1985 con la personale presso il centro d’arredamento contemporaneo “Miceli”, presentato dagli architetti Pagliata e Mendini, riesce a suscitare grande interesse anche da parte di operatori noti nel campo del design. Successivamente, ha collaborato per oltre dieci anni con il centro di design Falconio di Napoli. Nel 2005 partecipa alla Biennale “Aldo Roncaglia”. Nel 2006 tiene una mostra a Palazzo Patrizi di Siena e, contemporaneamente, il Museo Michetti gli dedica una grande personale. Vive e lavora a Torre del Greco.